Rashid Johnson

Le caractère sanguin est évident dans les nombreux moments où les personnages sont plongés dans une profonde réflexion intérieure. Le public n' a pas connaissance de leur dialogue intérieur, mais il peut en observer l'expression extérieure. La couleur sanguine a pris une place importante pour Johnson il y a des années, au moment de sa rencontre avec un pouvoir supérieur, décidant que le rouge qu'il voyait lorsqu'il fermait les yeux serait son substitut pour « dieu ». Dans le film, le divin et l'anima en toutes choses sont des thèmes prédominants. La forme de la vesica piscis, présentée sur une toile de fond rouge sang, est récurrente tout au long du film. Représentant l'espace entre deux cercles concentriques, cette forme est une représentation formelle de la liminalité pour Johnson. À bien des égards, « Sanguine » est une exploration cinématographique de l'espace liminal.

Au fil de l’exposition, Johnson revisite l’une des formes emblématiques de son langage visuel : l’évocatrice « vesica piscis » en forme d’amande, un leitmotiv présent dans la culture visuelle mondiale depuis les premiers temps de l’humanité. Employée horizontalement dans les « Soul Paintings », cette forme abstraite assume une dimension à la fois représentative et organique, évoquant des formes crâniennes semblables à des masques, des yeux ou encore des pectoraux squelettiques. Figurant l’intersection de deux cercles qui se chevauchent, ce motif exprime pour Johnson la notion de liminalité, cette reconnaissance de ce que nous ressentons sans pouvoir pleinement l’expliquer.

La structure des peintures de Johnson traduit son intérêt pour la multiplicité, la répétition et la stratification, ainsi que pour la ligne, en recourant à des techniques comme « l’Alla prima » pour créer une myriade d’intersections et de significations. À d’autres moments, l’artiste laisse la peinture sécher avant de poursuivre, introduisant un moment de pause et de réflexion nécessaire, lui permettant de recueillir son énergie avant de la retranscrire sous forme de « mark-making ». Comme il l’explique : « j’ai toujours été fasciné par l’exposition multiple, par la manière dont une image se forme, puis comment une autre vient se greffer à sa surface ». Ce processus de superposition peut être perçu de différentes façons : comme un collage, une connexion, ou même une collision.

Une sélection de nouvelles sculptures en bronze présente une série d’objets symboliques, tels que des coquillages, enfouis dans l’argile grossièrement modelée à partir de laquelle ils ont été coulés. Dans le groupe de sculptures « Standing Soul Sculpture », Johnson s’est servi de fils de fer lors du moulage, créant l’illusion d’un travail à main levée, recherchant une liberté gestuelle comparable à son usage de la ligne dans ses peintures. Une autre série de sculptures en bronze, en forme de chaises disposées en cercle, tournées vers l’intérieur, évoque une réunion de groupe intimiste. Johnson recourt fréquemment à des objets familiers dans ses oeuvres composites, un processus qu’il qualifie de « hijacking the domestic » [détournement du domestique], visant à convoquer des réminiscences d’expériences partagées. Les oeuvres de l’exposition « Anima », qui questionnent à la fois l’âme et l’histoire collective, apparaissent résolument personnelles et vulnérables, tout en restant universelles et symboliquement fécondes.